Arte y Cultura

Pico Sánchez, a seis meses de tu partida.

2011-05-29T12:58:00.000-07:00

Pico Sánchez

April 24, 1947 - November 29, 2010

We miss you!

by Katia Fuentes

Open Studios 2009

Guadalupe Virgin Day, 2007

Retrato en Navidad 2006

En acción, 2008.

Summer 2002

El último ádios.

Photos ©Katia Fuentes

El Dramaturgo Roberto Varea Explora la Abstracta Realidad del Inmigrante a través del Teatro.

2010-02-13T09:33:00.000-08:00

Roberto Varea

©KF

Roberto Varea es un director y profesor de teatro reconocido en el círculo de las artes escénicas por ser el fundador del Teatro Jornalero. El programa de arte con justicia social con concentración en danza y teatro que Varea dirige en la Universidad de San Francisco (USF) - en inglés Performing Arts with Social Justice - utiliza la creatividad dentro de un contexto histórico y social para construir arte en un mundo integro. “Yo me presento cómo el director de teatro con justicia social, pero en Latinoamérica no hace falta el título, se sobre entiende qué cómo artista estas comprometido socialmente”.

Roberto Varea originario de Córdoba, Argentina se refiriere con indignación a la forma en qué la extrema dictadura de su gobierno le marca la vida en sus años adolescentes. La crisis política del régimen militar le hiere directamente. Su familia pierde seres cercanos, vecinos y amigos. Entonces, es que decide comprometerse con el pueblo de modo artístico. “Yo me abrí al mundo cómo artista para contribuir a la comunidad con algo creativo en un marco de destrucción”, define. En 1976, al comienzo de la represión, Roberto cuenta con sólo 16 años de edad. “Me agarro en un momento crítico en la vida de una persona joven”, expresa. Es en 1983 el año de la transición del final de la dictadura que Varea se conecta con el teatro. Es el tiempo del fin de la Guerra de las Malvinas y la apertura a la democracia. “A los 23 años me dio un camino para relacionarme con el mundo y conmigo mismo”.

Cuatro años después, en 1987 Varea cuenta con algunos estudios en psicología y arquitectura, pero por casualidad se encuentra con una revista americana de performance que contiene información sobre una maestría en teatro en San Diego, California. La idea de estudiar arte de manera formal en el extranjero se convierte en una de sus metas y un año más tarde Varea parte a estudiar la Maestría Hispana Americana en Bellas Artes de Dirección Teatral en la Universidad de San Diego. “Cuatro años después de la dictadura todavía no se abrían las escuelas de teatro en Córdoba, ni de cine”, lamenta.

A Roberto le interesa llevar al escenario su experiencia como inmigrante latinoamericano sensible a la injusticia social. “Tiene un potencial riquísimo desde el punto de vista teatral”. Sus performances se presentan en las calles, en iglesias, en cárceles o en centros comunitarios, pero también considera importante pisar los escenarios legítimos donde el público va a ver buen teatro. “De algún modo es otra forma de hacer arte. El artista es proveedor de contexto, es una forma rebuscada para hacerlo legitimo”.

En la misma línea, Varea trabaja con actores profesionales y con gente común qué le interesa explorar el escenario. Un buen ejemplo es el Teatro Jornalero, proyecto que se forma con trabajadores comunes que continúan trabajando en teatro. “La comunidad contribuye a la paradoja del arte”.

Sobre el contenido artístico en Secos y Mojados, Roberto define su propuesta y explica qué el principio fundamental para abusar a los trabajadores es deshumanizarlos, convertirlos en una masa muscular apta para el trabajo pesado. “Para mí, el teatro es el antídoto humanizante por excelencia, partir de ese espacio para contar la historia”. Reitera que no le interesa darles voz a los inmigrantes porque ellos tienen su propia voz, sino crear un espacio para que sus voces puedan ser escuchadas.

Secos Y Mojados, es un proyecto en continua evolución. Es un performance en el que se experimenta con el concepto y contexto del inmigrante contemporáneo, del refugiado político, del exiliado, del ilegal. A través de instalaciones de luz y video sobre el escenario la improvisación actoral de - su actriz principal y esposa - Violeta Luna, la experiencia inmigrante p e s a. “Mi sensibilidad me da las herramientas para poder encontrar formas de expresión en aquello que es difícil”. Roberto Varea transforma con creatividad los conflictos sociales violentos como la guerra, el genocidio y la violencia estructural que son parte de la estructura de las sociedades. “Llevamos al escenario las historias más marginadas y olvidadas”.

Secos y Mojados se presenta el próximo 5 y 6 de marzo en Mission Cultural Center for Latino Arts.

The last days of The Abandoned Planet Bookstore on Valencia ST.

2009-12-19T08:36:00.000-08:00

Buque Escuéla Cuauhtémoc visita el muelle 27 en San Francisco

2009-08-08T18:57:00.000-07:00

Fotos: Katia Fuentes

Capitán José Francisco González Galindo y el cónsul de México Carlos Felix.

El Buque Escuéla Cuauhtémoc, Embajador Mexicano y Caballero de los Mares rompe corazones en el puerto de San Francisco.

Katia Fuentes
Especial para El Mensajero

SAN FRANCISCO.- La visita del reconocido navío mexicano de nombre Cuauhtémoc que viajó desde el puerto de Acapulco, Guerrero no pasó desapercibida. A su llegada y despedida por el puente Golden Gate, fue escoltado con alegoría un remolcador oficial. Durante su estadía de una semana en el Pier 27, el buque escuela de la Armada de México recibió las visitas del público y obtuvo la admiración de sus visitantes. El consulado de México en San Francisco estuvo encargado de una serie de eventos culturales para difundir la historia, los viajes y logros en competencias marítimas del navío mexicano. El Cuauhtémoc viaja constantemente alrededor del mundo representando la cultura mexicana con el objetivo de establecer lazos de amistad con otros países y llevar el sentimiento nacionalista a mexicanos en otras ciudades del mundo, pero cuando no esta en navegando se encuentra atracado en Acapulco.

Residentes del área de la bahía, en particular de la comunidad mexicana aprovecharon la oportunidad de conocerlo de proa a popa, su estribor y su babor y así llevarse una probadita de México. Su hermoso diseño construido hace 27 años en los Astilleros Celaya en Bilbao, España esta inspirado en un modelo antiguo, similar al de una carabela, es una goleta de aparejo con tres palos y 23 velas. Para su comandancia, el Capitán José Francisco González Galindo el barco pone muy en alto el nombre de México porque lo tripulan mexicanos. “El llegar a un puerto donde hay mucho mexicano, es un orgullo para nosotros y para el que vive aquí y visita el barco, vé a sus paisanos trabajar, haciendo las cosas bien. Eso los alienta y los hace sentirse orgullosos de México”, afirmó el Capitán Galindo.

Cuauhtémoc, nombrado en honor al último emperador azteca, ha servido como escuela para la preparación de los cadetes de la Heroica Escuela Naval Militar formando Capitanes, Oficiales, Cadetes y otros elemento de Clases y Marinería, que realizan sus viajes de práctica. El buque mantiene una tripulación de más de 180 elementos mexicanos quiénes son asignados a este por dos años.

“Al barco en las embajadas ya le llaman el Embajador y Caballero de los Mares. Lo que los embajadores y cónsules opinan, es que el trabajo que hace el Cuauhtémoc es una excelente labor como embajador”, concluyó su Capitán para El Mensajero.

Entrevista con Ramón Vargas, el prestigiado tenor mexicano.

2009-03-07T18:55:00.000-08:00

El Tenor Ramón Vargas con su hijo Rodrigo en el exterior del Opera House de San Francisco. ©Katia Fuentes

Ramón Vargas, originario de la Ciudad de México y uno de los tenores más prestigiados del canto lírico lleva el papel estelar de la Ópera de San Francisco, The Elixir of Love. Con el personaje principal del ingenuo Nemorino, la ópera trata sobre el amor verdadero entre un hombre enamorado y la chica más linda del pueblo, la hermosa Adina,. The Elixir of Love se presento en el War Memorial Opera House el pasado mes de noviembre.

El tenor mexicano conto en entrevista la historia sobre sus inicios en la ciudad de México y los secretos que lo han llevado a recorrer los escenarios del mundo deleitando al público a través de la herramienta de expresión más auténtica del ser humano, la voz.

Vargas compartió que su formación musical inició cuando cantaba como solista en el Coro de Infantes de la Basílica de Guadalupe en la Villa a los 10 años de edad. “Fueron los años más importantes por el contacto con la música, cantaba música religiosa, gregoriana y polifonía”, especificó. Después de tres años en el coro de la Basílica, Vargas realizó estudios de preparatoria y de pedagogía. Era su interés convertirse en sociólogo, pero por fortuna, uno de esos días se encontró con su maestro de canto, Antonio López, quién le preguntó por su voz. Fue entonces que bajo la recomendación de López, Vargas de 18 años de edad inició sus estudios musicales en el Instituto de Arte y Música Cardenal Miranda. “Dario Miranda era un sacerdote importante fanático de la música y el arte que patrocinaba la escuela y así yo fui a parar ahí”, comentó Vargas con el acento chilango que no ha perdido.

Después de ganar concursos de canto nacionales en México, Ramón Vargas compite y gana en Italia, Milán el premio Enrrico Caruso 1986. Dicho reconocimiento lo establece en Austria, país donde perfecciona sus estudios en canto con la Ópera Estatal de Viena. A partir de entonces, Ramón Vargas radica en Europa y viaja para participar en las operas de Londres, Paris, Madrid, Nueva York, San Francisco, Buenos Aires, entre otras ciudades importantes.

Con una introducción cómo la del señor Vargas, la entrevista prosiguió así:

Fuentes Eye (FE): ¿Que es la voz y cómo la cuida?
Ramón Vargas (RV): No existe nada más espontáneo que la voz, es un elemento importante que se ha mantenido a través de la historia de la música. Tenemos músculos en la garganta que sólo sirven cuando cantamos, eso significa que es parte de la naturaleza del ser humano. La forma de cuidar la voz es adquiriendo una buena técnica bucal. No hay que fumar y no hay que ir a lugares ruidosos, yo me canso más de ir a un pub con los amigos que cuando canto toda una ópera.

FE: ¿Cuál es la parte más difícil de ser tenor?
RV: Es la voz más estresada en la gama de voces de mujeres y hombres. Es una voz mezclada que es lo que crea el interés en la gente, esa capacidad de irse hasta las notas mas agudas y parecer una mujer que canta con una voz más potente. Pero la voz debe de tener la capacidad de expresar emociones mas allá de la potencia y los agudos. Un trabajo constante que requiere de disciplina.

FE: ¿Que significa el aplauso?
RV: Es el modo en que el público manifiesta su generosidad, a los artistas nos gusta que nos reconozcan nuestro trabajo a través de la aceptación del público, pero puede ser relativo. Hay influencias de fama y de gente publicitada. El aplauso sincero del público es un buen termómetro que cuando el artista se entrega merece el aplauso y siempre es bonito recibirlo.
FE: ¿Quién es el mejor tenor de la historia?
RV: Carusso, porque hace más de cien años la imagen que se tenía de los italianos era pésima, entonces llega un napolitano con una personalidad arrolladora y se convierte en el rey del Metropolitan, el rey del mundo. La ópera se divide en entes y después de Carusso.

FE: ¿Ambiciones?
RV: Lo único que me gustaría es mantener el momento que vivo. Estoy muy bien, soy feliz, tengo una familia, mis hijos, amigos. Es el momento histórico de mi vida y ojala se prolónge por mucho tiempo.
FE: ¿Algún mensaje a los lectores de esta publicación?
RV: No tengan miedo de venir al teatro porque el primer teatro del continente americano esta en Puebla y los primeros espectáculos se hicieron en México.
Es parte de nuestras tradiciones y cultura, somos un pueblo que ama la música y el canto, vale la pena venir. Traigan a sus hijos que se van a divertir.

Adolescentes de San Francisco en Ghana con su cámara

2009-03-07T17:41:00.000-08:00

Bethany Castro, graduada de First Exposures opinó:"Toda esta experiencia esta basada en unidad, trabajo en equipo y armonía, esas son las bases".

"Yo andaba en busca de una oportunidad, no entre aqui por problemas con pandillas", expresó Karen Gochez de 18 años y residente de la Misión.

La constancia y esfuerzo de jóvenes latinos que optaron por tomar clases de fotografía una vez por semana en los programas de After School, los premia con una aventura cultural en el país africano de Ghana. A través del programa First Exposures de la organización dedicada a la fotografía contemporánea, Camerawork los estudiantes aprendieron de otra realidad y fotografiaron su experiencia.

First Exposures capacita a niños seleccionados de 11 a 18 años de barrios con altos índices de violencia como La Misión en el arte y oficio de la fotografía sin que el objetivo sea crear artistas de la imagen. Su enfoque está en prevenir la violencia ofreciendo un ángulo nuevo a niños que lo necesiten. Por medio de mentores se intenta prevenir que los estudiantes opten por desperdiciar su talento en las calles.

Bethany Castro de 19 años comenzó a los 10 años de edad y hoy tiene el sueños de convertirse en fotógrafa profesional. "Es por eso que estoy aqui. No voy a parar, quiero viajar para documentar cada lugar donde vaya. Regresar a África o a las Filipinas, el país de mi madre", expresó con entusiasmo durante la apertura. “Algunos están muy interesados [en ser fotógrafos profesionales], pero la meta no es crear buenos artistas, sino buenas personas. Se trata de ofrecer mentores. Los niños trabajan uno a uno con adultos durante un año completo y si deciden ser fotógrafos tenemos las conexiones para apoyarlos”, concluyó la curadora Lloyd.

Según los testimonios que cada uno de los jóvenes artistas dio el día del evento, la experiencia en Ghana despertó su conciencia. El haber sido testigos de las condiciones de vida del país africano les hizo darse cuenta de la riqueza del país en que viven.“La gente en Ghana a pesar de su condición es feliz, nosotros estamos mimados”, subrayó con conmoción Bethany.

La exhibición incluye ampliaciones en formatos grandes, diarios de viaje, hojas de contacto, pasaportes y objetos de niños ghaneses y del Área de la Bahía. El programa First Exposures en San Francisco y en Ghana, The Ghana Youth Photo Project son patrocinados por Adobe Youth Voices.

La exhibición titulada Unidos en Nima, Adolescentes Ghaneses y del Área de la Bahía Comparten sus Vidas A través del Lente permanece abierta hasta el 25 de marzo en la galería de CameraWork ubicada en el 657 Missión St. 2º piso. San Francisco. Para más información visite www.sfcamerawork.org (415)512-2020.

Marcio Ramírez, de 15 años el más joven del grupo de viajeros afirmó, “La fotografía te abre los ojos a un mundo diferente, te abre la imaginación, la creatividad, me encanta practicarla”.

Fotos©Katia Fuentes

La Academia de las Ciencias de California en San Francisco abre sus ecológicas puertas

2008-09-27T17:18:00.000-07:00

Fotografía de Fuentes Eye
(haz click para verlas grandes)

El túnel del Amazonas de la exhibición Selvas Trópicales.

SAN FRANCISCO.- En el corazón del parque Golden Gate, justo enfrente del museo de arte de Young, abren las puertas de las renovadas instalaciones de la Academia de las Ciencias de California. El nuevo edificio ecológico o verde es parte de una revolucionaria iniciativa que desarrolla arquitectura pública sustentable, es decir, que utiliza materiales y tecnología que ahorran energía. Diseñado por Renzo Piano, reconocido arquitecto, la nueva Academia de las Ciencias está conformada por un hermoso acuario, un planetario digital, un museo de historia natural y un techo viviente que aloja plantas y flores nativas ofreciendo a sus visitantes una experiencia científica, emotiva y visual imborrable. Con la misión de explorar, entender y proteger el mundo natural el grupo de científicos calificados y su variada colección de animales marinos y otras especies exóticas presentan exposiciones llenas de vida invitando al público a analizar tanto el principio, como el futuro de nuestro planeta. En un espacio construido con enormes vidrios que funcionan como paredes, la vegetación que rodea al parque Golden Gate queda a la vista, permitiendo también la entrada de luz natural al edificio.

El biólogo Charles Delbeek explica las características de un arrefife en Filipinas.

Una de las secciones más destacadas es El Arrecife de Coral de Filipinas del acuario. Este exhibe el coral vivo más grande del mundo con más de dos mil peces de colores, cuevas submarinas y anguilas jardineras. En su superficie se pueden apreciar tiburones, mantarrayas y tortugas marinas. El tanque que contiene 212 mil galones de agua retrata la diversidad de los arrecifes de coral en las islas Filipinas, los cuáles son de los ecosistemas más diversos del mundo. El biólogo de la Academia, Charles Delbeek explicó que al coral le llevará 10 años crecer y además, "los peces en el tanque no fueron atrapados en su ambiente natural, sino que vienen de otros acuarios en Waikiki y Honolulu en Hawai", aclaró.

La forma del El Techo Viviente inspirada en el cerro a la vista.

El diseño del Techo Viviente en la azotea es el símbolo del nuevo edificio sustentable y otra de sus grandes novedades. Desde una terraza el visitante puede admirar los 2.5 acres donde crece la vida silvestre nativa de San Francisco. El Techo Viviente, además previene el escurrimiento pluvial de millones de galones de agua al año educando a los visitantes sobre la importancia de cuidar el agua. Sus paneles solares ahorran hasta 10% la energía anual de la Academia. Según Frank Almeda, Doctor en Botánica, quién explico las características anteriores, el diseño tipo montañoso fue inspirado en la vista actual desde la azotea donde se alcanza a ver el cerro de enfrente en la calle Moraga y la 16. Atinadamente, la forma del Techo Viviente y el cerro mencionado son similares.

Entre otras de las atracciones esta el Planetario que te lleva a volar por el planeta Tierra, las Selvas Tropicales, la Sala Africana donde las estrellas son los famosos pingüinos y el Planeta Acuático con más de 100 tanques de peces, reptiles, anfibios y otros invertebrados.

El lagarto albino en El Pantano de la Academia.

En el centro de investigación.

La Academia de las Ciencias de California esta ubicada en el 55 Music Councourse Drive del Parque Golden Gate. TEL. 415-379-8000 o www.calacademy.org

El Planeta Acuático.

Los pinguinos son alimentados diario frente al público.

La vista en la Selva Tropical.

El orgullo por Frida Kahlo crece en San Francisco

2008-06-25T14:55:00.000-07:00

"Mi nana y yo" 1937 óleo sobre metal
Museo Dolores Olmedo, México

Hayden Herrera, biógrafa de la pintora. Foto:KFuentes
Hayden Herrera confirmó, “Mi pintura favorita es ‘Mi nana y yo’ adoro esa pintura y de hecho era uno de los favoritos de Frida“.

Hayden Herrera, historiadora de arte y autora de la biografía más completa sobre Frida trabajó en la organización de la exhibición titulada Artista, Icono, Revolucionaria en homenaje a los cien años de su natalicio. Durante la inauguración en el museo MOMA, Hayden subrayó la dificultad de conseguir que las obras fueran prestadas, “El trabajo de Frida Kahlo ahora tiene tanto valor que los coleccionistas no quieren prestarlo tan fácilmente, también porque la obra viaja constantemente creo que cada vez es más difícil poner un show de Frida tan grande cómo este”, dijo. “Fue un proceso largo y duro que me hace sentir tan feliz de verlo junto”, agregó.
La exhibición titulada Artista, Icono, Revolucionaria ofrece al espectador una extensa colección de valiosas obras que muestran una intima semblanza de su trabajo pictórico y de su vida, aspectos que van siempre unidos.
Al entrar a la primera sala del museo y percibir la obra, además de la sensación de orgullo por Frida, es asombroso encontrarse con pinturas tan pequeñas de significado inmenso. “Siempre resulta una sorpresa ver las pinturas originales porque son mucho más fuertes, además te das cuenta de la escala. Nunca me he aburrido con estas pinturas, las veo, las analizo y siempre encuentro cosas que no había visto antes”, afirmó Hayden Herrera.

Frida Kalho en el MOMA de San Francisco

2008-06-18T14:52:00.000-07:00

Fotos: Katia Fuentes

Las hermanas Fuentes con “Las Dos Fridas”, obra maestra realizada en 1939, la cuál refleja el sufrimiento que vivió Kalho tras la infidelidad de su esposo Diego Rivera. Foto:Erika Cebreros

Por Katia Fuentes

SAN FRANCISCO.- El museo de arte moderno SFMOMA se viste de gala para celebrar los cien años del natalicio de la legendaria pintora mexicana Frida Kalho a través de la prestigiada exhibición, Artista Icono Revolucionaria, la cuál mostrará también las estrechas relaciones que la artista mantuvo en la ciudad dorada.

La exposición que inicia el sábado 14 de junio y permanecerá abierta hasta el 28 de septiembre, esta compuesta por 45 piezas pintadas por la artista entre 1926 y 1954, el año de su muerte a los 47 años de edad. Artista Icono Revolucionaria presentará además, una colección de objetos personales nunca antes vistos, entre los que destacan 70 fotografías en blanco y negro que Frida Kalho personalmente envió a su amigo el doctor Leo Eloesser en San Francisco.
“(…)de hecho [esas fotografías] vivieron aquí en San Francisco cerca de 50 años hasta que fueron vendidas en Nueva York. (...)entonces aquí vas a tener la oportunidad de ver detalles de su intimidad, cosas que eras suyas”, dijo John Zarobell, curador asistente del SFMOMA.

*Pronto más sobre esta exposición.

Escritora cubana recibe Premio a la Mejor Ficción con su última novela, A Handbook to Luck, Una guía para la suerte.

2008-06-06T23:11:00.000-07:00

Foto: Cortesía de la autora

Por Katia Fuentes

SAN FRANCISCO.- El pasado mes de abril la escritora cubana-americana Cristina García recibió el premio a la mejor ficción por su cuarta novela A Handbook to Luck, en español, Una Guía para la Suerte. La organización de lectores, Libros del Norte de California (The Northern California Books Awards), otorgó el reconocimiento a la novelista, quien es considerada una voz cubana muy importante dentro de la literatura americana.

La obra literaria de Cristina García se estableció en 1992 con la publicación de su primera novela, Dreaming in Cuban, en español, Soñar en Cubano, la cuál fue nominada a los premios de libros nacionales y traducida a varios idiomas. El lenguaje sensual y conmovedor de sus letras esta formado por una narrativa poética contada a través de diferentes personajes, lugares y épocas. Sin duda, influenciada por el realismo mágico de escritores latinoamericanos, en donde la realidad va acompañada de situaciones extraordinarias.

Cristina García nació en La Habana en 1958 y a los dos años a consecuencia de la revolución cubana emigró con su familia a la ciudad de Nueva York donde creció en los vecindarios irlandés e italianos de Queens y Brooklyn. Cristina recibió estudios en ciencias políticas y una maestría en relaciones internacionales. Durante los años 80 colaboró cómo interna con el periódico The Boston Globe. También fue periodista para publicaciones cómo la revista Time.

La autora y periodista de 49 años ha escrito cuatro novelas, fue miembro de la organización Guggenheim, Hodder Fellow en la Universidad de Princeton y recibió el premio de escritores Whiting.

En la entrevista que se realizo vía telefónica, Cristina conversó en inglés sobre los flujos de inspiración que la motivan a escribir, sobre las experiencias de haber crecido fuera de su natal Cuba y otras revelaciones.

El Mensajero.- ¿Cómo lograste que tu novela fuera publicada, fue talento o fortuna?
Cristina García.- Creo que tuve la fortuna de que el curso del mundo me empujara el momento exacto. Era 1992, la época de la caída de la Unión Soviética. Cuba aparecía en las noticias y la gente podía regresar por primera vez a la isla. El momento en que salió el libro coincidió, no fue sólo la calidad del trabajo, sino otras fuerzas incontrolables. Uno controla lo que escribes en las páginas, pero no puedes controlar que el libro sea o no popular. Creo que tuve suerte de esa manera porque hay muchísimos libros maravillosos, tengo amigos que son escritores brillantes pero sus libros no son identificados.

EM.-Tu primera novela me recuerda a Cien Años de Soledad de García Márquez en el sentido en que esta basada en una historia familiar. Cuando leí Las Memorias del Nóbel colombiano, me di cuenta que era la misma historia que lo llevó a la fama. Son tus novelas autobiográficas?
CG.-Soñar en Cubano es definitivamente biográfica. Creo que trata de las emociones familiares y las dinámicas de mi familia que estuvo dividida por la revolución cubana y muchas de las políticas entre madre e hija, diría yo.
Si, en ese sentido Soñar en Cubano es la más biográfica. Algo de la esencia de mis familiares quedo en los personajes, pero los detalles son totalmente diferentes.

EM.- ¿Cómo las Memorias de García Márquez?
CG.-Me encanto yo también la leí.

EM.- ¿Perteneces a alguna corriente o movimiento literario?
CG.- No creo que sea intencional cómo un movimiento activo. Estamos [los escritores latinos] por todas partes del país y a veces me invitan a las conferencias de escritores chicanos en Nuevo México, pero no lo veo cómo un movimiento. También creo que la literatura latina estuvo marginada por mucho tiempo, pero ahora esta abriéndose paso al escenario principal. Es parte del flujo de la literatura americana y de gran interés para los lectores.

EM.-¿Puedes definir tu estílo o se lo dejas a los críticos?
CG.-Prefiero dejárselo a los críticos. Para mi son extensiones de la realidad, mis personajes se mueven en la experiencia del mundo. Sin tanta magia, tal vez sólo un poco de religión o creencia.

EM.- ¿Escribes por inspiración o con disciplina?
CG.-Me llega la inspiración unas dos veces en el transcurso de escribir un libro. Ese tipo de inspiración donde vez un periodo blanco, es cómo yo le llamo, a veces dura una tarde, a veces dos semanas. Es rarísimo, en cinco años puede aparecer dos o tres veces si tengo suerte. Durante esos periodos tengo la sensación que todo va saliendo muy fácil, es cómo si me dictarán desde adentro. Es muy emocionante, es un efecto parecido al que padecen las personas bipolares porque te vas a una fase ultra maniaca muy creativa. De cualquier forma la mayoría de las veces es tratar de sacar todo y atraer la inspiración fuera de esos momentos.

EM.- Haz alcanzado el reconocimiento en la literatura americana en inglés, ¿te interesa hacer un impacto en la comunidad latina de este país, en quienes leen en español?

Definitivamente, el asunto es siempre la traducción porque refleja la idiosincrasia de la experiencia cubana. Para mi es crucial hacer un impacto en la audiencia que habla español cómo en la que habla inglés. Pero aquí, yo soy la traductora. Escucho mucho de lo que pasa en español y trato de capturarlo en inglés con la misma musicalidad. Inglés con acento.

EM. ¿De que manera te ha afectado la división de países?
CG.- Mi abuelita a quien me gustaría visitar, falleció, tenía 102 años. La única persona que queda es una tía, la que cuidaba a mi abuelita y su hija. Todos los demás se fueron a Miami y a Colombia en los últimos 15 años.
Pero, cuando estaba creciendo y de jovencita la división era muy dolorosa, cómo una herida profunda. Había sentimientos difíciles en cuanto a la política, además por muchos años no podías ir a Cuba. No fue hasta los años 80 que cubano-americanos pudieron visitar. En los años 90 podíamos ir por Cancún, pero ahora es imposible y son muchas las familias que continúan sufriendo por esta división. Es una ridiculez por parte de la administración de Bush.

EM.- ¿Mandarías un mensaje a los lectores?
CG.- ¿un mensaje?

EM.- O un consejo.
CG.- Apague la televisión y lea a sus niños. Es muy importante.

Guillermo Goméz Peña y su Pocha Nostra

2008-05-27T11:05:00.000-07:00

La Pocha Nostra en su aposento de la Mision de SF

Guillermo Goméz Peña

Foto: Katia Fuentes

Violeta Luna

Rodeados de arte y elementos Kitsh en una espacio donde predomina el rojo, una Frida rockera y de un Mariachi drag hablaron sobre el significado de su propuesta artística, la censura del arte radical y el concepto de chicanismo hoy en día.

¿Cual es el significado y significante de Pocha Nostra?
Guillermo Goméz Peña: Pocha, de pochos es el termino racista que acuñaron los mexicanos que nunca partieron para nombrar a los que si partimos, que somos como mexicanos desmexicanizados, agringados. Y Nostra de la mafia italiana. Se traduce a el cartel de los bastardos culturales. O nuestras impurezas, asumir la hibrides completa, asumir el pochismo con mucho honor y decir si, si somos pochos, híbridos y locos y que.

¿Como es que Guillermo y La Pocha se convierten en un icono de la cultura chicana siendo originarios de La Ciudad de México?
Guillermo Goméz Peña: Muy adolorida la respuesta a tu pregunta. Me gustaría mandarte un texto en donde he abordado este tema. Afortunadamente las cosas cambiaron en los 90. Cuando yo llegue en 1978 la comunidad chicana pasaba por un momento ultra nacionalista, ósea yo era un advenedizo, un oportunista para ellos, mas viniendo del DF ya que tenemos esa fama de charlatanes como los neoyorkinos.
Por muchos años las puertas estuvieron cerradas y yo creo que la persistencia, el hecho de que trabajamos constantemente dentro del movimiento chicano en la lucha política y cultural nos llevo a que a principios de los noventa se nos abrieran finalmente las puertas.

¿Cómo se define ahora el concepto del Chicanismo?
Guillermo Goméz Peña: La definición del chicanismo ha cambiado. A fines de los ochentas tu eras chicano si eras México-americano nacido en EU y habías participado en el movimiento de derechos civiles. Esa definición ya no existe, ahora el chicanismo es una actitud, una manera de estar en el mundo. Una cierta habilidad para cruzar fronteras para negociar entre dos o mas culturas, y entre dos o mas lenguajes. El chicanismo ya es una actitud mental y espiritual ante el mundo, mas que un pedigrí político. Y de alguna manera la Pocha Nostra ha contribuido a la redefinición del movimiento chicano. La Pocha esta considerada como una tropa chicana y sin embargo es una tripulación multirracial. Aceptamos a todos los híbridos, a todos los fronterizos. La pocha es un espacio de inclusión cultural y santuario para los que no caben en otros países y en otros territorios de la identidad.

¿Cuales son sus principales influencias?
Guillermo Goméz Peña: Jodoroski, Gurrola, Edenberg, el performance art de Europa de principios de siglo, el pensamiento político chicano, la literatura latinoamericana, el rock and roll, el rock en español, el rap y hip hop chicano. Amalia Meza, Rene Yañez y Culture Clash. Los chicanos nos enseñaron entre otras cosas, que la única manera de recuperar tu identidad es a través del arte y otro punto importante es que cuando te pongan un micrófono enfrente, hay que aprovecharlo.

¿Han sido censurados?
Guillermo Goméz Peña: Muchísimo. El trabajo de artistas rebeldes, radicales o politizados ha sido afectado por el Patriotic Act y Homeland Security a raíz del 11 de septiembre. Nos recortaron el presupuesto a nivel local y nacional, lo que nos obligo a irnos de gira a Europa. Entre el 2003 y 2005 el 80% de nuestra presupuesto dependia del mercado europeo. En Estados Unidos se niegan a invitarnos porque somos troublemakers, porque we have a big mouth, porque respondemos, we talk back, we speak up. Hasta el 2005 que algunos republicanos se manifiestan en contra de la política de Bush, se empiezan a crear espacios mas democráticos. Así, logramos regresar a EU, pero estuvimos ausentes varios años directamente por obra y culpa de la administración de Bush.

¿A que tipo de público le interesa tu obra?
GG-P: Al mundo intelectual y del arte les interesa nuestro proyecto, a las comunidades políticas y activistas les atrae nuestra obra por el espíritu radical, a los jóvenes porque tiene un aspecto muy hip y novedoso. Es un espacio de locura con un público muy bilingüe.
Nosotros somos fronterizos, siempre estamos cruzando la frontera entre el mundo del arte y comunitario. Entre la cultura y la política, tenemos un pie en el barrio y otro en la gira perpetua. Esperamos que nuestro público sea igualmente híbrido.

Con esas palabras termino la entrevista a uno de los principales exponentes del arte chicano en San Francisco. Guillermo Gómez Peña fue el primer chicano en recibir el Premio McArthur Fellow Genius en 1991. Ha escrito ocho libros, el último publicado por el Fondo de Cultura Económica, el cual empieza en español situado en México y finaliza en ingles en San Fran.

Definitivamente el señor Peña ofrece un concepto artístico audaz elevado, excelente representación del arte fronterizo. Las escasas oportunidades de presenciar su espectáculo es una oportunidad que no debe dejarse ir.

Para saber mas sobre estos locos visite: http://www.pochanostra.com/

Guadalupe Rivera, la hija del pintor y muralista mexicano visita San Francisco

2008-05-02T15:12:00.000-07:00

A sus 75 años de edad la señora Guadalupe Rivera Marín se presento llena de energía y lucidez a la entrevista realizada en el décimo piso del edificio City Club, donde en 1931 su padre pinto el mural “Alegoría de California” sobre una pared de dos pisos de altura y en el techo del lugar. Vestida en tonos azules y de humor “medio negro”, el que ella misma describió, Guadalupe Rivera conversó denotando la sabiduría de alguien que le toco hacer el papel en la vida de la hija de un genio de la pintura.

La hija del pintor mas querido por México dijo sentirse muy satisfecha por aparecer en uno de los paneles del fresco en el edificio de La Secretaria de Educación Publica en la ciudad de México. “... me siento profundamente orgullosa de estar ahí, ( ...) ya pase a la posteridad”, comentó entre risas sobre el panel “La Unión” donde esta retratada vestida de verde a los tres o cuatro años de edad.

Al cuestionarle sobre la importancia de trascender fronteras a través de la cultura y el arte, la doctora Rivera Marín recomendó los pensamientos de su padre señalando que el mural del City College representa la unión cultural de todo el continente y la importancia de que sus habitantes luchen para lograrlo. “Entender que nuestro continente es único, no debe haber diferencias dentro del mismo”, concluyó.

Fernando Botero y su Abu Ghraib

2008-02-05T13:49:00.000-08:00

"No son antiamericanistas; son un testimonio. Si presentas los hechos no significa que estes encontra de América. Uno no se puede quedar en silencio, no puedes estar en guerra y dejarle todo a los políticos y a los periódicos", expreso el pintor colombiano de 75 años en la Universidad de Berkeley durante la exhibición de su más reciente y controversial obra.

Fotos: Katia Fuentes